Beaute Congo 1926-2015

La evolución del Arte en el Congo

La República del Congo comenzó a desarrollar una importante escena artística a partir de la colonización Belga. Esta escena artística ha ido evolucionado y se puede decir que hoy el arte contemporáneo del Congo es solido, complejo y delirante.

La exposición me fascino. El arte contemporáneo día con día se vuelve más interesante, más social, más político y al mismo tiempo más humano. La gran sorpresa de esta exposición fue encontrarme, a través del Arte, con una cultura y un país totalmente distinto al mío.

La muestra es muy extensa y abarca desde el año 1920 con los primeros desarrollos artísticos hasta producción totalmente contemporánea. Las exposiciones cronológicas en lo particular me gustan mucho por que te ayudan visualmente a comparar los cambios psicológicos, sociales, culturales, económicos y políticos de un país a través del arte.

La exposición empieza en 1920, es llamativo ver el aspecto inocente, primitivo y experimental de las primeras pinturas Congolesas donde destaca una poética de la imaginación con escenas rurales y un mundo natural imaginativo. Posteriormente se ve un cambio en el estilo, quizás una apropiación y un paso hacia lo figurativo. Las representaciones, los temas, las composiciones y los colores van gradualmente cambiando.

Luego se presenta una sección de fotografía! Que se me hizo una excelente decisión curatorial por que en lo personal me ayudo a entender la sociedad y el ambiente que se vivía en Kinshasa la capital. En especifico la asimilación de la cultura Europea!

Por último, el arte de hoy tiene una carga totalmente política, se ve al 100% la influencia de la globalización y en especifico de la cultura de occidente. Se pintan temas de raza, roles sociales, enfermedades, pobreza, corrupción, migración y cultura sin perder su característico colorido y un estilo único. Esta parte contemporánea se me hizo la más interesante, en las salas se podía escuchar música fusión Africana que impregnaba al espectador con un ambiente distinto.

Finalmente, mi obra favorita pertenece al artista Bodys Isek Kingelez que hace maquetas de ciudades utópicas y futuristas con basura y objetos encontrados . Pueden ver ejemplos de su obra más abajo, pero les recomiendo buscar videos sobre su proceso creativo!!!!

Para concluir, la exhibición me enamoro y la disfrute muchísimo. Me pareció bastante interesante ver esta selección de arte del Congo por que fue algo totalmente nuevo e inesperado. Me parece increíble observar arte de un país tan ajeno a mí como el Congo y que aún así posee la fuerza, la calidad y el potencial de emocionar y conectar!

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Los Tatuajes

Esta exhibición es para sociólogos y antropólogos, a mi me pareció un tema fascinante que nunca espere encontrarme en un museo. En lo particular me gusta mucho cuando una exhibición toca temas sobre la humanidad y en este caso voy a hablar de una exposición muy interesante que aborda el mundo de los Tatuajes!

El tatuaje como forma de expresión, su historia y su evolución. La exhibición te transporta a las raíces históricas y sociales de la práctica de tatuarse. Esta práctica es muy antigua y lleva siglos existiendo en los lugares mas recónditos de este mundo entre distintas sociedades y civilizaciones. Por definición una tatuaje es una forma de marcar el cuerpo. Sin embargo un tatuaje hace mucho mas. El tatuaje ha sido tanto una marca, como un ritual,  e incluso un símbolo de marginalización, orgullo o sacrificio. Un tatuaje comunica mensajes, ideas y creencias personales. Un tatuaje es un lenguaje que se desarrollo como modo de identidad social con dimensiones  psicológicas, antropológicas, e incluso filosóficas que han trascendido hasta nuestros días.

En la Polinesia una de las regiones de mayor tradición, el tatuaje se usa como forma de ornamentación del cuerpo para significar respeto y jerarquía. En específico los Maoríes utilizan tatuajes de diseños geométricos como marcas de transición a la edad adulta. En Egipto los tatuajes tenían un carácter sobrenatural y místico, lo realizaban especialmente las mujeres. En comparación, en Japón a partir del siglo X se usó el tatuaje como “marca de vergüenza” en los individuos que incumplían la ley. Hoy los Yakuza “la mafia japonesa” son conocidos por tener tatuajes casi en todo su cuerpo. En Europa eran utilizados únicamente en los circos y por los bohemios; sin embargo durante la Alemania Nazi se utilizo el tatuaje para marcar a prisioneros. Estos son algunos pocos ejemplos de la información histórica que encontré en la exhibición; sin embargo la lista podría continuar puesto que la práctica de tatuarse a estado presente desde hace siglos en distintas civilizaciones, grupos selectos, múltiples sectores de la sociedad y diversas culturas.

A partir de los 60’s los hippies empezaron a revivir el Tatuajismo y en los 90’s como consecuencia de la globalización la práctica renació como un fenómeno global e incluso artístico. La practica de tatuarse se convirtió en una profesión y evolucionó mas o menos a partir de 1846 cuando se abre en Nueva York el primer estudio de Tatuajes. Pero fue durante la Guerra de Secesión que el tatuaje como arte experimentó un gran impulso y popularización. Martin Hilderbrandt fue el tatuador oficial de los bandos de la Guerra Civil Americana y Samuel O’Reilley el inventor de la maquina de tatuar (1891).

Hoy, los tatuajes están por todos lados: en la industria de la moda, el deporte, la publicidad, el diseño, entretenimiento etc. El arte del tatuaje forma parte de la iconografía contemporánea y del nuestro lenguaje visual. Supongo que la pregunta a fin de cuentas es: ¿Qué queremos comunicar? y ¿Cómo un tatuaje nos define? Estás preguntas me interesan en relación a el significado del Arte hoy en día en relación a los conceptos de identidad y cuerpo (constantemente presentes en la manifestación de arte contemporáneo). No me cabe duda que el tatuaje es una forma de Arte que requiere diseño, ingenio y ejecución. Sin embargo creo que el tatuaje se volvió una cultura y una forma de vida. La exposición me dejo con la pregunta sobre las dimensiones y el significado de esta práctica que como cualquier otro Arte sin duda alguna es un reflejo de nuestra sociedad y nuestros tiempos.

Disfruten las imágenes!

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A Egipto con cariño!

Por varias extrañas razones de un día para otro acabe en un inesperado viaje por Egipto. Para mí “Egipto” representaba un país interesante y antiguo, que a pesar de su atractivo no estaba en mi lista de Próximos Lugares por Conocer. Antes de emprender mi viaje tenía una limitada noción de la historia, el arte y la cultura del país. Había leído sobre el faro y la biblioteca de Alejandría, las pirámides de Giza, el Nilo, el Canal de Suez, e incluso sobre la famosa Cleopatra. Pero tristemente lo que más resonaba en mi cabeza era la crisis social que se vivió con la reciente Revolución Egipcia del 2011. Afortunadamente adentrarme y conocer este gran país fue una inolvidable experiencia que desde el primer momento me sorprendió. La esencia e identidad de Egipto me absorbieron y transportaron a un época muy lejana, me enamoró la calidez y amabilidad de su gente, y me fascinó su cultura, historia, arte y arquitectura.

Egipto abarca mucho y en realidad no se por donde comenzar ya que hay varios temas fascinantes y complejos por si solos! (La escritura jeroglífica, las costumbres, la técnica del papiro, la estética, la arquitectura, la artesanía, la muerte, las creencias, el poder, las matemáticas, la astronomía, la ciencia, la cultura, la religión, el arte, el saqueo, las exploraciones del siglo XIX, Alejandro Magno, Ptolomeo, El Cristianismo, los ingleses, el Mundo Árabe, Napoleón, y mucho mucho más).

Empiezo por un sentimiento de asombro y admiración hacia el pasado y los habitantes de una de las civilizaciones más antigüas. Una semana donde todo lo que se ve es literalmente increíble. Creo que lo que sobrevive de está gran civilización (templos, tumbas, ruinas, esculturas y distintos objetos) crea una enorme impresión por que hablamos de vestigios milenarios que poseen una combinación de valiosas características entre las que destaco la antigüedad y subsistencia, el misterio, la grandeza, la ejecución, perfección y estética. 

La mayoría de los templos y tumbas que sobreviven datan desde el siglo 2,650 A.D. con las primeras dinastías faraónicas hasta el siglo 330 D.C. con la dinastía Ptolemaica. El hecho de que estos templos perduren los convierte en testimonios vivientes e invaluables fuentes de información sobre una de las civilizaciones más importantes e influyentes de la historia.

Mi principal interés al viajar es el arte y en Egipto por fortuna predomina!  En cualquier disciplina el arte Egipcio destaca por su maestría, refinamiento e innovación. El detalle es visible en cada obra, la belleza y estética están continuamente presentes, y la perfección es evidente en la omnipresencia y grandiosidad de los templos y ruinas. Las columnas están labradas en bajo y alto relieve, los muros narran historias, creencias y actividades de la vida cotidiana, en los techos sobre la pintura mural es posible admirar la simbología egipcia, las imágenes de culto y estatuas son robustas e imponentes,  sin olvidar la artesanía que es única y delicada. Llamó mucho mi atención la ambición, grandeza, y perfección de las construcciones en épocas donde la ingeniería y ciencia eran totalmente distintas. El factor inexistente del tiempo en relación a la creación y decoración de templos y tumbas. Así como el minucioso trabajo en los objetos, tesoros y amuletos descubiertos con el tiempo!

Por otro lado la religión también me apasiona y visitar los templos y tumbas te hace cuestionarte sobre las creencias antiguas y las distintas religiones que se practican hoy en día. Egipto tenía una religión característica y muy compleja! Se practicaba un culto politeísta, y cada templo era dedicado a un Dios distinto. Sin embargo, lo que más me intriga es saber que desde hace miles de años la humanidad busca entender la dualidad de vida y muerte. La resurrección, el mundo de los muertos, la trascendencia, y el renacer son conceptos repetitivos en la cosmología Egipcia. Los egipcios la daban mucha importancia a la muerte, pero sobre todo la veían como un paso trascendental a otro mundo. Por esta razón las tumbas eran de vital importancia. Admirar la complejidad y los muros de las tumbas fue una experiencia abrumadora, hay muchos símbolos labrados y pintados, la mayoría no sabes ni que representan, luego encuentras a los Dioses que ya conoces (Horus, Osiris, Ra, Seth, Isis). Después, empiezan a aparecer distintas narraciones sobre la vida del difunto, el libro de los muertos y las ofrendas a los Dioses. Por último, las acciones del muerto son valuadas ante un tribunal y se determina su renacer. Todo esto y más plasmado sobre los muros dentro de cuevas secretas escondidas en zonas montañosas. En resumen creo que la complejidad del mundo religioso del Antiguo Egipto junto con la estética y simbología egipcia es lo que le da a las tumbas y templos un aire mágico y cautivador.

Quiero acabar con la triste situación que vive Egipto hoy en día. Egipto es un país donde el turismo se desplomo a raíz de la presencia del Estado Islámico y la Revolución Egipcia del 2011. Los hoteles del Cairo están por debajo de un 15% de ocupación en temporada alta. Los templos y tumbas donde antes abundaba el turismo hoy son literalmente pueblos fantasmas! Según las estadísticas en el 2010 el turismo en Egipto alcanzo un record de 14.7 millones de extranjeros que visitaron los sitios arqueológicos y patrimoniales del país, el año pasado solo hubo 8 millones. Esta lamentable situación afecta al país y a sus habitantes, muchas personas dependen directamente del turísmo por lo que la pobreza extrema, la inestabilidad, corrupción y un lento desarrollo son evidentes. Es doloroso ver a un país con tanto potencial y tanta historia deteriorarse día a día. Yo me quedo con una excelente experiencia  gracias a nuestro guía Ahmed y a la amabilidad y profesionalismo de la gente que conocí. Me voy con ganas de regresar a un país extraordinario, donde hay mucho que aprender, conocer y admirar. Pero me quedo también impresionada de ver las consecuencias que la pobreza y corrupción pueden alcanzar. Espero que un día se restaure la estabilidad, seguridad y prosperidad en Egipto por que es un país mágico que creo vale mucho la pena conocer!

Les dejo imágenes de los templos, tumbas y museos que visite pero me falto mucho por conocer! También al final incluyo piezas de arte Egipcio que me gustan, quisiera poder poner todo pero hay mucho que me gusta y tuve que hacer una selección.

El Cairo, vista de la ciudad que después de vivir en la ciudad de México no me pareció tán caótica.

El Museo Egipcio del Cairo es sorprendente por su colección y tamaño. Sin embargo necesita orden y una buena museografía.

El Museo Copto del Cairo!

Museo de Artes del Islam.

Tres imperdibles museos en la ciudad del Cairo. El Museo Egipcio se inauguró en 1901 y cuenta con una colección de más de 150,000 objetos entre los que destacan la Paleta de Narmer, el tesoro de Tutankamon, piezas pertenecientes al periodo Amarna, la estatua de madera más antigua del mundo hecha de madera de sicomoro (2470 A.D.) El Museo Copto probablemente mi favorito con una impactante colección de textiles e iconos coptos además de resguardar los manuscritos de Nag Hammadi (colección de textos gnósticos del siglo XIII.)

Iglesia colgante, Egipto Viejo, El Cairo

Las Pirámides de Giza representan la necrópolis de la Antigua Memfis capital durante el Viejo Reino. La primer la pirámide de Keops contiene 2.3 millones de piedras caliza. La segunda la pirámide Kefren el volumen de la mampostería es de 1.86 millones m.cu. La tercera es la pirámide de Menkaura la más pequeña de las tres en donde te puedes adentrar. Son verdaderamente monumentales, es inconcebible que hayan sido construidas hace tanto tiempo, la pirámide de Keops data del ano 1570 A.C.

Abu Simbel.

Abu Simbel probablemente uno de los templos más interesantes e impactantes fue construido por Ramsés II (1290 A.C. – 1224 A.C.) Después de un largo periodo el templo quedo en el olvido y fue sepultado por la arena. Fue descubierto hasta el siglo XIX cuando el explorado suizo de apellido Buckhardt en el año de 1813 vio en el desierto una de las colosales cabezas de Ramsés II.

Traslado 1964-1968.

En 1964 como consecuencia de la construcción de la presa de Asuán y por las amenazas de las crecientes aguas del lago Nasser, el templo fue cortado y desmantelado para desplazarlo a una área más alta y poder preservarlo.

Templo de Filae.

El templo de Filae esta dedicado a Isis la diosa del amor y la sanación. Su construcción se realizo durante el periodo del año 200 A.D. a 300 D.C. En el año de 1960 después de la construcción de la presa de Asuán el templo quedo completamente sumergido por las aguas del río Nilo y fue posteriormente rescatado.

Kom Ombo.

Kom Ombo está dedicado a dos dioses Sobek y Horwer. Es interesante ya que cuenta con varias columnas y muros donde asombrosamente la pintura aún se conserva.

Este templo cuenta con una especie de poso profundo llamado el nilómetro donde la altura que las aguas del río Nilo alcanzaban se usaba para determinar los impuestos que pagaba el pueblo.

Templo de Edfu. El templo de Edfu fue edificado durante el periodo de 237 A.C. a 57 A.C. está dedicado a Horus y en términos arquitectónicos es el más completo que sobrevive. El templo cayo en desuso con el edicto de Teodosio I que prohibía el culto no cristiano dentro del Imperio Romano en 391 D.C. A causa de este edicto los cristianos intentaron arrasar con las imágenes religiosas en el momento consideradas paganas por eso muchos de los relieves se ven picados y severamente dañados.

Templo de Luxor.

Es considerado como uno de los templos más espectaculares y famoso por varias razones como: el relieve donde aparece Alejandro Magno, la capilla de Augusto y la mezquita que se construyo por encima de un templo cristiano y por encima de las ruinas de Tebas. Es también famoso ya que su obelisco gemelo se encuentra desde 1836 en la Plaza de la Concordia en Paris. El obelisco de 237 toneladas fue un regalo del Rey Mehemmet Ali al Rey francés Carlos X .

Templo de Karnak.

El Templo de Kranak está dedicado al dios Amón y fue fundado durante los comienzo de la dinastía XII alrededor de 1991 A.C. Este templo fue construido durante 2,000 años por unos 30 faraones. Es increíble pensar en la inexistente noción del tiempo en relación a la construcción de los templos. Kranak se comunica con Luxor por la Avenida de las Esfinges bordeada en su tiempo por más de 600 esfinges.

La sala Hipóstila es de las más famosas con 16 filas y 134 columnas que cubren 5,000 mt2 y alcanzan una altura de 24 metros.

Valle de los Reyes.

El Valle de los Reyes es el sitio de entierro de los faraones que gobernaron durante el Imperio Nuevo. En total se han encontrado 64 tumbas en su mayoría saqueadas donde se pueden  ver frescos con descripciones astronómicas, narraciones del libro de los muertos, y representaciones de varios dioses entre los que destacan: Osiris la diosa de la muerte y Anubis el dios que momifica. El Valle de los Reyes es un lugar único e inconcebible. La construcción de cada tumba era un trabajo de años, un secreto y el principal objetivo en vida de faraones e individuos que desearan pasar a la eternidad. Hace mucho tiempo que no me emocionaba tanto ver un mural, es abrumador!

Representación de la estructure interior.

Valle de los Nobles.

Al no ser la necrópolis de los faraones es mucho más sencilla. Sin embargo, los murales son interesantes por que muestran escenas de la vida cotidiana de los Antiguos Egipcios. Estos muros son un verdadero tesoro por que dan una idea de los distintos oficios y roles en la sociedad Egipcia!

Templo de Hatshepsut.

El templo de Hatshepsut es del año 1450 A.C. y está dedicado a Amón con la finalidad de legitimar el derecho al trono de Egipto de Hatshepsut a pesar de ser una mujer regente. Los murales son fascinantes relatan una expedición a tierras lejanas y los frutos y flores que trajeron de regreso a Egipto.

Asuán y El Nilo!

El arte del Papiro y el libro de la muerte.

Oro y piedras preciosas. Tesoro de Tutankhamon. El escarabajo representa al sol naciente y es el símbolo de la resurrección; uno de mis amuletos favoritos de la mitología Egipcia!

Me encanta esta almohada, por incómoda!

Contenedores donde se guardan lo órganos durante el proceso de limpieza previo a la momificación. El vaso canope con cabeza humana guarda el hígado, el de cabeza de mono o babuino los pulmones, el de cabeza de halcón los intestinos y el de cabeza de chacal el estómago.

Cartucho! Los cartuchos son una fuente de información  esencial por que sin ellos los egiptólogos no hubieran podido descifrar tan fácilmente a quien se dedicaban los templos y a quién pertenecían las tumbas.

Detalle de un Sarcófago. Me encantan los sarcófagos pintados donde se refleja la influencia Romana.

Las estelas funerarias identificaban al difunto indicando su nombre y títulos que poseía en vida y lo representaba en compañía de los dioses para pasar al mundo de los muertos.

La Tríada de Osorkon II es una de mis piezas egipcias favoritas. Fue labrada por orfebres egipcios durante el reinado de la dinastía XXII de origen libio que transcurrío de 945 a  715 A.C. La pieza mide 9 x 6 cms con  incrustaciones de lapislázuli y cristal rojo sobre oro. Las figuras representan a Osiris (Diosa de la resurrección) , Isis (Diosa del nacimiento) y Horus (Dios celeste).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El mejor arte del norte de Italia

Las grandes recintos de Arte en Milán, Venecia y Florencia.

Estos tres importantes y reconocidos museos a nivel mundial son: La Pinacoteca de Brera en Milán, La Galería de la Academia de Venecia y la Galería Uffizi en Florencia.

En estos museos y en general en el norte de Italia abracan las obras de importantes artistas en términos tanto artísticos como históricos, donde destacan: Crivelli, Mantenga, los hermanos Bellini, Tintoretto, Bronzino, Veronese, Giorgione, Carpaccio, Tiziano, Giotto, Simone Martini, Fra Angélico, Boticcelli, Da Vinci, Uccello, Lippi, Miguel Ángel y Van der Goes entre una miríada de estilos, siglos, y corrientes.

Visitar los tres museos es necesario ya que cuentan con obras sumamente importantes, e igualmente impactantes para cualquier persona. Los museos emanan historia y reflejan obra tras obras el progreso y crecimiento artístico que se ha dado desde la época medieval.

Todos estos pintores han destacado de distintas formas y todos son poseedores de un estilo único! De Crivelli me gusta ese aspecto ornamental que poseen sus obras, Mantenga fue un gran innovador en el área de la perspectiva y su Lamentación es espectacular (En Milán la pieza esta colocada de forma que se resalta la perspectiva y el espectador debe mirar hacia abajo!). Los hermanos Bellini como buenos venecianos destacan por su uso del color para crear forma, lo que más me gusta de sus obras son las Madonnas. Tintoretto es de mis favoritos no hay obra de el que no emane fuerza y energía hacia su entorno, Bronzino otro también de mis favoritos era una pintor minucioso, mientras que Veronese es un deleite para la vista, sus obras de festines y a gran escala son magnificas. Giorgione para mi es un enigma, me intriga e invita a explorar sus obras a fondo, Carpaccio era alguien desconocido, sin embargo sus narraciones históricas son complejas y llenas de detalle, me encanto conocer su obra. Tiziano es un personaje complejo sus obras cambian mucho conforme a lo que vivía (vivió y pinto mucho) y tiene varios cuadros espectaculares, Giotto en lo personal me gusta mucho por ser una figura clave de la estilo Gótico, así como Martini y Fra Angélico quienes también representan ese arte esplendoroso donde destacan los ángeles y los tonos dorados sus obras son siempre bellas y sublimes. Botticelli para mí es todo un romántico al igual que Da Vinci ambos pintores dotados de un gran talento representan una época de crecimiento y desarrollo en las artes, sus piezas son verdaderas obras maestras típicas del Renacimiento. Uccello es un genio que mezcla lo decorativo con los avances artísticos y nos muestra ese punto intermedio donde se va a dar el gran salto en la pintura hacia una representación mas fiel. Lippi es alguien a quien no le había dedicado tiempo, este año me impresiono ver una Madonna en especifico, la cual con ojos grises y un brillo especial miraba al espectador. Miguel Ángel, otro gran talento, una de sus pocas pinturas en bastidor es impresionante el reflejo de un escultor que pinta, las figuras y la musculatura hacen la obra de Miguel Ángel algo fácil de reconocer y digno de admirar. Por último Hugo Van der Goes quien no es Italiano sino Holandés y cuya obra en la galería Uffizi representó un importante punto de inspiración para el desarrollo de la pintura Renacentista en Italia.

Brera

Crivelli

Mantegna

Bellini

Tintoretto

Bronzino

Giovanni Bellini

Gallerie dell’ Academia de Venecia

veronese

Tintoretto

Giorgione

Vittore Carpaccio

Titian

Giovanni Bellini

Uffizi

Giotto

Simone Martini

Fra Angelico

Boticcelli

Da Vinci

Uccello

Fillipo Lippi

Miguel ángel

Hugo van der goes

 

 

 

 

The Frick Collection

La Colección Frick es un museo formado por la colección privada del magnate del acero Henry Clay Frick. Henry Clay Frick fue presidente de la compañía Carnegie Steel y jugó un papel importante al lado de J.P. Morgan al formar U.S Steel.

Henry Clay Frick fue un miembro importante del club al cuál se le atribuye la inundación de Johnstown en 1889, ocasionando la muerte de más de 2,000 ciudadanos del pueblo de Johnstown, Pennsylvania. También fue el responsable de lidiar con la huelga de Homestead Steel en 1892 donde contrato al grupo de mercenarios conocidos por el nombre de “Pinkerton” para acabar con los miles de trabajadores que exigían derechos básicos como: condiciones apropiadas en las fábricas, una jornada laboral reducida y un sueldo justo.

En términos de la colección en lo personal me parece inconcebible como una personas con tal pasado, ambición y desdén por los derecho humanos pudiera tener tan buen gusto. El acto del Coleccionismo es un tema que me intriga constantemente y decidí que un ejemplo ideal para reflexionar entorno a los motivos y gustos de los coleccionistas es justamente el caso de Henry Clay Frick y la reconocida Frick Collection.

El coleccionismo por definición es la acción humana de reunir cosas que presentando alguna diferencia entre si tienen un algo en común.

Desde mi perspectiva el coleccionismo es una búsqueda de identidad. Comúnmente el formar una colección así como el descubrirnos a nosotros mismos son actividades que toman tiempo. Finalmente creo que una colección se desarrolla, se adapta y cambia conforme a la vida misma de un individuo. Por eso una colección es un reflejo de un persona, aunque curiosamente este reflejo se puede modificar e incluso construir conforme a lo que cierto individuo busca reflejar a su familia, a la sociedad o a futuras generaciones. En resumen una colección se convierte en una imagen adquirida, retocada, e idealizada.

Todo ser humano tiene cierta necesidad de reconocimiento de su individualidad y de sus logros. El coleccionar de alguna manera satisface ambas necesidades al elevar al hombre como poseedor de piezas únicas y bellas. En esa búsqueda constante de poder característica de la época en que en Estados Unidos se forjaba una generación de jóvenes ambiciosos, dispuestos a crecer y con la fe de cambiar al mundo el arte no era la excepción e incluso era y continua siendo símbolo de poder y riqueza.

Por otro lado el coleccionismo también considero es una acción que el humano busca con la finalidad de rodearse de belleza. Para ese tipo de personas que poseen todo en la vida y que probablemente su única carencia no se puede comprar con dinero o poder es razonable e incluso lógico que coleccionen arte, que se rodeen de valor cultural y belleza con el fin de solucionar aflicciones existenciales y para darle sentido a la vida.

Dicho esto la colección Frick por si misma habla y refleja un gusto muy particular. Un gusto sin duda por la belleza seria y refinada, valorada en aquella época. Un gusto por la calidad de factura y sobriedad de las piezas. Desde mi sensación al recorrer el museo definiría el aura de la colección como sería e incluso melancólica. Sin duda Henry Clay Frick fue un hombre complicado, un hombre trabajador y ambicioso, un hombre que cometió mucho errores e incluso se le podría llamar injusto entre muchas otras palabras que lo describirían. Creo que fue un hombre que busco hacer la paz consigo mismo por medio del arte. Su colección no refleja una necesidad desenfrenada de adquisición, o incluso no refleja una exhibición ostentosa de lujo. Su colección para mi esta marcada por un exquisito gusto y un selectivo conjunto de obras reunidas a lo largo de toda una vida.

Giovanni Bellini

Hans Holbein the Younger

El Greco

Rembrandt

Vermeer

Bronzino

Claude Monet

Duccio

Jan Van Eyck

Fra Filippo Lippi

Gentile da Fabriano

Georges de la Tour

 

Art Basel Miami 2014

Para cerrar el año con un último post les dejo las obras que más me gustaron de ArtBasel Miami en esta edición del 2014 además de una corta reseña sobre mi experiencia en esta feria. Las imágenes abarcan obras de la feria, las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de Miami, ferias satélites, el distrito de Wynwood Walls y el Pérez Art Museum reconocido por su colección de arte de Latinoamérica.

Este es el primer año que tengo la oportunidad de visitar la reconocida feria de Miami y la experiencia me fascino. Como todo en la vida, antes de ir ya había escuchado buenos y malos comentarios pero sin duda el haber ido y visto por mí misma me permitió asombrarme con el cuantioso número de coleccionistas, apasionados espectadores, artistas y propuestas contemporáneas de gran calidad e innovación.

Lo que más me gusta del arte contemporáneo es el poder creativo e imaginativo del ser humano y en ArtBasel de Miami el número de obras de gran ingenio, destreza y creatividad no fue la excepción sino la norma. El arte contemporáneo desde mi perspectiva es fascinante pues describe al ser humano actual y crítica nuestra sociedad. Sin embargo reconozco que es un reto al ser una forma de expresión que cruza fronteras y empuja nuestros tan arraigados límites y concepciones. Viendo las propuestas y los artistas que definen hoy en día este mundo del arte contemporáneo creo que justamente esta serie de límites los cuales el arte contemporáneo constantemente cruza dotan a la obra contemporánea con un poder y fuerza que provoca en el espectador, interés, asombro y gusto por un arte que al final de cuentas es nuestro reflejo. Me fascinó ver la cantidad de distintas respuestas y distintos métodos de expresión hacia los cuestionamientos que siempre nos han obsesionado: la esencia humana, la cotidianidad, emociones universales y actitudes que definen al ser humano. Desde mi punto de vista considero que el arte contemporáneo se encuentra en un momento cúspide de creatividad y exploración de técnicas y formas de expresión que están generando propuestas totalmente inusuales y maravillosas.

Un segundo aspecto inesperado pero siempre gratificante en el arte contemporáneo es la calidad. Sorprendentemente y en parte gracias al estricto comité de selección no hay obra en la feria que no merezca estar expuesta y ser contemplada. En algunas otras ferias de arte es común encontrarse con comentarios que reflejan la insatisfacción de un público interesado y que demanda contexto, factura y calidad. En ArtBasel las obras con las que me tope por más diversas, tenían en común exactamente ingenio y calidad. No hubo obra que no reflejara el trabajo de toda una vida, aún las propuestas emergentes son de gran calidad y se ve un trabajo minucioso, elaborado y meditado. Esto para mí es sumamente importante por que creo que al no haber un aspecto de calidad, un trabajo laborioso, y una destreza evidente es difícil que un espectador aprecie la obra.

Por último me sorprendió y me motiva a seguir escribiendo la cantidad de personas interesadas, apasionadas y fascinadas con el arte. Es extraordinario caminar entre ríos de gentes que se asombran ante una pintura, que tratan de entender una escultura, que se interesan por la estética y que valoran todo tipo de arte. En resumen ví interés, asombro, expectativas, intelecto, oferta y demanda. Este ambiente te envuelve y te acompaña a lo largo de tu visita al observar distintas propuestas y te permite adentrarte en un mundo para muchos extraño, con confianza para juzgar por medio de tu gusto y ojo estas nuevas propuestas contemporáneas. Como todo habrá siempre obras que llaman más tu atención que otras pero al finalizar el día la experiencia es como salir de un mundo de posibilidades infinitas done el arte transmite y comunica nuestro pasado, presente y un futuro inimaginable.

ArtBasel año con año se llena con gente esperando ver lo mejor del arte contemporáneo, las ventas y colecciones formadas en el mundo gracias a la reconocida feria van en aumento. Sorprendentemente me da mucho orgullo y alegría el hecho que este año el sector de la sociedad que mostró más interés, con un representativo poder adquisitivo, compras en aumento, y con una propuesta de vanguardia a la altura de el arte contemporáneo de Europa y Estados Unidos es el mercado de arte de Latinoamérica.

Yinka Shonibare

Urs Fischer

Paul McCarthy

Juan Genoves

Alexander Tovborg

Calder Y Dubuffette

Arturo Herrera

Francesca Pasqualli

Kara Walker

Pedro Reyes

Jose Bedia

David Hockeny

Liliana Porter

Wayne Thiebaud

Jacob hashimoto

xu zhen

Sue Williams

Anish Kapoor

Tony Cragg

Nick Cave

Roni Horn

Delvoye

Basel Design

Scope

Dali by KUZU

Perez Art Museum

Beatriz Mihazes

Leonor Antunes

Maria Fernanda Cardoso, cementerio

Ana Mendieta

Mark Handforth

Rubell Family Collection

Mark Flood

Robert Longo

Maurizio Cattelan

Serge Alain Nitegeka

De la Cruz Collection

Robb Pruitt

Feliz Gonzalez Torres

Mark Bradford

Sterling Ruby

Marguilles Collection

Anselm Kiefer

Wynwood Walls

 

 

Matisse the Cut-Outs en el MoMA

Hace unas semanas tuve la oportunidad de ver en el MoMA de Nueva York la exhibición de: Matisse, the Cut-Outs. Los Cut-Outs son obras que pertenecen al último periodo del artista, este periodo abarca sus últimos 10 anos de vida y empieza alrededor de 1953. Los cut-outs se distinguen por ser elaborados con técnicas alternativas a la pintura puesto que la edad y salud de Matisse le impedían seguir trabajando como antes. Este último periodo es importante no por ser la etapa cúspide de Matisse sino por ser reflejo de un hombre que llego a tener completa maestría en el arte, y de un hombre paciente quien le dedico toda su vida a explorar y a experimentar con luz, color, formas y composición.

La exhibición ya fue un éxito en el TATE de Londres y para el museo neoyorkino no ha sido la excepción. Hoy en día Matisse gracias a numerosas exhibiciones y escritos es poseedor de gran fama y es considerado como uno de los máximos exponentes de las vanguardias pictóricas del siglo XX. La salas dedicadas a esta exhibición están atiborradas y la respuesta del público hacia la obra de Matisse es espectacular. Esta obra crea emoción, fascinación e ilusión en niños, adultos, y gente de la tercera edad por ser atractiva, colorida e interesante.

En lo particular Matisse me encanta; me gusta su periodo Fauvista, su obra madura, su exploración continua con el color, y su interés por la figura femenina. Aunque yo concia poco de este último periodo creo que hay algo interesante y admirable en la abstracción y metodología que utiliza para crear sus últimas obras. Este periodo se caracteriza por los Cut-Outs que involucran el decoupage: cortar y pegar grandes y pequeños retazos de papel pintado en distintas formas para crear composiciones de gran formato y gran atractivo visual. En lo personal lo que más admiro es su capacidad de combinar, alterar percepciones y crear emociones en base a simples colores y recortes. También que a su edad nunca haya dejado de pintar o expresarse artísticamente es signo de un profundo compromiso y pasión por sus creencias e intereses artísticos. Es interesante ver como el pintor a lo largo de su vida y por medio de sus obras mostro cierta tendencia hacia lo abstracto, para Matisse una representación fidedigna nunca fue lo primordial. El profundo interés por el color y las formas creadas atreves de contraponer tonos distintos fue siempre su principal consternación. Por eso desde mi perspectiva es totalmente lógico que al final de su vida su arte abandonara sus previas tendencias decorativas y se centrara en puro color, luz, y composición.

En resumen este último periodo de Matisse es notable y esta exhibición no hace mas que reconocer su última etapa no por ser la mejor pero si por ser muestra de un compromiso eterno con la luz, el color, y con su arte. En mi opinión estas obras de Matisse muestran a un pintor seguro de si mismo, y que continuo hasta el día de su muerte en una búsqueda eterna de respuestas para entender el arte, el color y su potencial. Matisse al final de su vida no ceso de experimentar, no tuvo miedo de errar y creo que mas que nunca se libero tendencias e influencias externas para expresarse libremente y para por fin crear su arte.

 

Otras obras de Matisse en el MOMA